Transformers (2007) Kritik

Als wahrscheinlich größter Vertreter des Kinos seufzte Orson Welles, wenn er über seinen letzten Film befragt wurde. In seiner moralisch aufgeladenen Geschichte war er die Stimme von Unicron, dem Chaosbringer, dem massivsten und tödlichsten der Transformers, eine Rolle, die er ohne Ironie als “ein großes Spielzeug, das viele kleinere Spielzeuge angriff” beschrieb.

Unicron tritt in Michael Bay’s Live-Action-Darbietung der kultigen japanischen Spielzeuglinie nicht unter den frenetischen Robotern auf, sondern die Beschreibung dient. Es ist ein Film über große Spielzeuge, die viele kleine Spielzeuge angreifen, und einige ebenso große und einige viel größere (Transformatoren sind gleichwertig), und viele Menschen (wenn man ein Decepticon ist) und Gebäude (meistens im Stadtzentrum von LA), um nicht auf einen ziemlich entschlossenen Angriff auf unsere Sinne zu verzichten.

Es ist kein Film für diejenigen, die den Trost der Kunst suchen. Es ist jedoch die geradlinigste, kniffligste, CG-geschliffene Explosion an Spaß, die der Sommer bisher gebracht hat. Ein weiterer großer Vertreter des Kinos, Alfred Hitchcock, verzweifelte oft an der Vorliebe mancher Kinobesucher für die Handlungslogik. Er würde den Schrei dieser’Plausibles’ ignorieren und seine Bücher mit ausgelassener Spannung fiedeln. Auch Michael Bay ist kein Freund der Plausibles, aber sein Trick ist es, sie mit’Bayhem’ zu betäuben. Sogar in der Geek-Lehre der Sci-Fi bleibt er mehr darauf bedacht, LA zu verwüsten als eine furchtbare innere Logik.

Es sollte Sie nicht erschrecken zu hören, dass die Handlung lächerlich ist: eine Kiste (die in ihrer Größe vom Stadtblock bis zur Handtasche variiert – nichts im Film ist in der Lage, still zu sitzen) mit der Kraft, Maschinen in Transformatoren umzubauen (an einem witzigen Punkt sprießt ein Getränkeautomat mechanische Beine und eine Kanone, die Dosen auf Menschen feuert), ist auf der Erde gelandet. Wie derzeit haben diese gegnerischen Banden von Super-Robotern. Der erste Halt ist ein dummer Junge, dessen Urgroßvater eine Brille hat.
den Aufdruck eines Lageplans der Box…. Oh, vergiss es. Hör zu, gute Roboter bekämpfen schlechte und wir stehen im Weg. Das Ende.

Wenn man einen Film über empfindungsfähige Roboter aus dem Weltall hat (ursprünglich Cybertron, aber sie haben ihren Heimatplaneten in einem internen Techno-Squabble zerbrochen), die das Gewand eines kanariengelben Camaro oder eines Düsenjägers oder einer Boombox bewohnen können (Gremlin-ähnlicher Midget-Bot Frenzy ist eine witzige Anspielung auf ein falsch verstandenes Spielzeug, das in ein Kassettenband geschwungen ist), kann es schwierig sein, seinen Ton zu beurteilen. Transformers wollte den schwindelerregenden Naturalismus der französischen New Wave kaum annehmen, aber Bay schiebt seinen Film mutig von der strengen Hegemonie der Coolness in die Goofy, und es passt. Wie sein animierter Vorgänger ist der Film immer noch ein Cartoon, in dem eine Bande von 20-Fuß-Robotern über einen Gartenrasen wie Buster Keaton schwappen kann. Der Film ist bereit, seine eigene Dummheit einzugestehen. Für das erste Drittel, bis sich die Autobots wie das A-Team in metallischem Widerstand unter dem Gouverneursamt des steifen Kopfes Optimus Prime (geäußert mit dem Knurren eines Schulleiters von Peter Cullen) versammeln, spielt es eher wie eine Teenager-Komödie als wie ein frecher Actionspieler. Eine gute auch, denn die menschlichen Leitungen sind genauso charmant wie die bouldergroßen Kapuzenverzierungen.

Bay hat sich mit LaBeouf einen echten Gefallen getan, denn der reizbare Verlierer, der sein erstes Auto entdecken will, hat eine große Überraschung unter der Motorhaube. Er teilt das pop-neurotische Geschwätz eines jungen Woody Allen mit Tom Hanks’ beständigem Charisma, einem geradlinigen Kerl, der immer noch wie ein Filmstar glänzt. Ein kluger, natürlicher Komiker, der die Offenheit dieser Spielzeuggeschichte mit einem ironischen Getöse ausgleicht. Ganz abgesehen von seinem Auto, das Beine wachsen lässt, ist er zappelig genug über die Beine seiner Klassenkameradin Mikaela (Megan Fox). Betrunken von Bay’s laszivem Fotoapparat, kommt sie immer noch mit einem Stahlkern (es sind nicht nur die Autos, die versteckte Zentren haben): Mikaela ist ein Genie mit Motoren, nicht, dass die Jungs über ihre Windschutzscheibe hinauskommen. In der Tat, alle Mädchen des Films kommen zu einem Geek-Ideal geformt: atemberaubend und knabenhaft praktisch. In einer der überzogenen Nebenhandlungen bekommen wir die australische Schönheit Rachael Taylor als NSA-Computerdweeb, der den Code der Decepticons knackt.

Die Besetzung ist am besten jung: die älteren Schauspieler, vor allem Jon Voight und John Turturro als staatliche Handlanger, so langsam, wie manch ein Elternteil sein mag, hammelnd Herk und Ruck, als ob sie ihre eigene innere Erschütterung durchmachen würden. Der Film ist am wenigsten sicher, wenn er die globale Gefahr, die Prüfung der Gewässer der Inferenz mit einem Angriff auf eine amerikanische Militärbasis in . Die ersten Verdächtigen sind die Iraner, und auf dem Weg dorthin gibt es ein paar spritzige Ausgrabungen bei der Bush-Administration, aber jede Politisierung ist schnell auf ein Töpfchen Super-Secret Service bekannt als Sector Seven, die Megatron in einem tiefen Frost im Inneren des Hoover Dam, und der Film kommt mit seiner jugendlichen Doktrin der daft Punk.

6/10

Cold Creek Manor Kritik

Cold Creek Manor ist ein weiterer dieser Filme, in denen ein wahnsinniger Unhold eine außergewöhnliche Menge an Energie darauf verwendet, Szenen für die Kamera einzurichten. Denken Sie an die Mühe, die es für einen Mann, der allein arbeitet, wäre, ein Pferd zu töten und es in ein Schwimmbad zu werfen. Der Film ist eine Sammlung von Klischees, die sowohl den sprechenden Mörder, der spricht, wenn er bei der Arbeit sein sollte, als auch den zuverlässigen Höhepunkt nicht vernachlässigt, wo sowohl der Bösewicht als auch seine Opfer viel Unannehmlichkeiten haben, um auf einen hohen Platz zu klettern, damit einer von ihnen herunterfallen kann.

Die Filmstars Dennis Quaid und Sharon Stone als Cooper und Leah Tilson, die die Stadt satt haben und aufs Land ziehen und ein Grundstück kaufen, das aussieht wie das Haus der Sieben Giebel, das mit dem Amityville Horror gekreuzt ist. Dieses Haus wird eine Menge Arbeit brauchen. In “Under the Tuscan Sun”, einem weiteren neuen Film, kann Diane Lane einige fröhliche polnische Arbeiter finden, um ihre toskanische Villa zu renovieren, aber die Tilsons haben das außerordentlich schlechte Urteilsvermögen, den ehemaligen Besitzer des Hauses, Dale Massie (Stephen Dorff), einen Ex-Häftling mit einer vermissten Familie, einzustellen. “Wissen Sie, worauf Sie sich da einlassen?”, fragt ein hilfsbereiter Einheimischer. Nein, aber jeder im Publikum tut es.

Der Film gibt natürlich zwei kleine Kinder an die Tilsons aus, so dass ihre kleinen Schreie auf Stichwort ertönen können, wie wenn das geliebte Pferd im Pool gefunden wird. Und sowohl Cooper als auch Leah sind mit dem Vorschlag des Ehebruchs gefärbt, weil in amerikanischen Filmen, wie wir alle wissen, sexuelles Fehlverhalten zu schlechten Immobilienentscheidungen führt.

In allen Filmen mit Stadtbewohnern, die aufs Land ziehen, gibt es eine ungeschriebene Regel, dass jeder im Diner alles über die Geschichte des neuen Anwesens und die Geheimnisse seiner früheren Besitzer weiß. Die Einheimischen agieren als eine Art griechischer Chor, leben ständig im Restaurant und bereiten sich darauf vor, unheilvolle Warnungen oder grundlose Beleidigungen auszusprechen. Die Schlüsselfigur ist diesmal Ruby (Juliette Lewis), Dales geschlagene Freundin, deren Schwester Sheriff Annie Ferguson (Dana Eskelson) ist. Sie raucht viel, immer ein ominöses Zeichen, und ist mehrdeutig über Dale — sie liebt die Lasche, aber gee, muss er immer auf ihr klopfen? Die Szene, in der sie behauptet, nicht getroffen worden zu sein, sondern nur gefallen zu sein, ist die oberflächlichste Demonstration der misshandelten Frau in Verleugnung.

Niemand in diesem Film hat einen Hauch von gesundem Menschenverstand. Die Tilsons lassen immer Türen offen, obwohl sie wissen, dass draußen schreckliche Gefahren lauern, und sie sind quälend langsam zu erkennen, dass Dale Massie nicht nur die falsche Person ist, um ihr Haus zu rehabilitieren, sondern auch die falsche Person, um im selben Zustand zu sein.

Verschiedene Hinweise, begleitet von unheilvoller Musik, ominösen Winden, Wolken, usw., führen dazu, dass Hinweise auf Dales Verbrechen auf dem Grund eines alten Brunnens gefunden werden können, und wir sind nicht enttäuscht in unserer Erwartung, dass sich Stone früher oder später auf dem Grund dieses Brunnens wiederfinden wird. Aber antworte mir. Wenn du ein bösartiger Verrückter wärst und die Tilsons loswerden wolltest und Leah gerade in den Brunnen gestoßen hättest, und Cooper war ganz allein im Wald, lehnte sich über den Brunnen und versuchte, seine Frau zurück an die Oberfläche zu ziehen, würdest du dann einfach weitermachen und ihn hineinstoßen? Oder was? Aber nein. Das Publikum muss sich einer ausgedehnten Szene unterziehen, in der Cooper nicht in den Brunnen geschoben wird, damit alle zurück zum Haus eilen, auf das Dach klettern, herunterfallen, etc. Dale Massie ist kein Bösewicht in diesem Film, sondern ein Enabler, ein Charakter, der nicht töten will, sondern nur existiert, um die Handlung zu beschleunigen. Alles, was er tut, ist nach einem Blick auf das Drehbuch, so dass er auftaucht, verschwindet, droht, nett wirkt, auftaucht, verblasst, schiebt, nicht schiebt, alles, damit wir im Publikum erschrocken oder, in meinem Fall, amüsiert sein können.

Cold Creek Manor wurde von Mike Figgis, einem großartigen Regisseur von Drama (“Leaving Las Vegas”), digitalen Experimenten (“Timecode”), Adaptionen der Klassiker (“Miss Julie”) und atmosphärischem Film noir (“Stormy Monday”) geleitet. Aber er hat einen Thriller gemacht, der uns nur dann begeistert, wenn wir den gesunden Menschenverstand aufgeben. Natürlich passieren in allen Thrillern absurde Dinge, aber es muss zumindest eine Geste in Richtung Plausibilität geben, sonst verlieren wir die Geduld. Wenn der böse Dale Massie einfach im Wald steht und Cooper Tilson nicht in den Brunnen drückt, hört er auf, ein Killer zu sein und wird zum Vorwand für den Film, um mit uns zu spielen – und es ist immer besser, wenn ein Thriller mit den Opfern statt mit dem Publikum spielt.

4/10

Ocean’s 12 Kritik

George Clooney, grau wie ein schlanker alter Dachs, kommt als Superdieb Danny Ocean in dieser entsetzlich selbstgefälligen und enttäuschenden Fortsetzung von Steven Soderbergh’s 2001 smash-hit caper Ocean’s Eleven wieder in Sicht. Das war eine inspirierende Verbesserung gegenüber dem 1960er Frank Sinatra Vanity Vehicle. Aber eigentlich ist es dieser Nachfolger mit seiner faulen, zusammengewürfelten Handlung und dem unerträglich selbstgefälligen Hollywood-Joker, der dem verfaulten Rat Pack-Original wirklich treu bleibt. Alle sehen müde aus und Brad Pitt ähnelt zunehmend Minnie Driver’s lang verlorener Butch-Schwester.

Wir beginnen drei Jahre nach dem legendären Vegas-Score, in dem Terry Benedict (Andy Garcia) Milliarden von Dollar aus seinen Hotels gestohlen wurde. Fast alle von der Bande haben ihre Anteile an der Beute weggepisst, was genauso gut ist, wie Benedict alle aufgespürt hat und sie zur Wiedervereinigung für einen anderen Job zwingt, um es ihm zurückzuzahlen. Widersetzen sich unsere Helden ihm? Oder tun sie so, als würden sie sich ihm nicht widersetzen, während sie sich heimlich darauf vorbereiten, ihn zu überfallen?

Nein! Eher pathetisch, alles, was sie tun, ist nur gehorsam für mehr gehorsame Diebstahl auf Geheiß ihres Feindes, und ihre Zahl wird durch einige neue Liebe-Interesse erhöht: Rusty (Brad Pitt) ist in Italien mit Isabel Lahiri, einer wunderschönen Strafverfolgungsbeamtin bei “Europol”. Ihr Vater ist zufällig ein Meisterdieb, und es ist sein nicht dramatisierter Sachverstand, der eine abgrundtiefe Handlungsauflösung liefert. Isabel wird von Catherine Zeta-Jones gespielt, die in ihrer “Europol”-Uniform herumhackt und mit ihrem walisischen Akzent wieder auftaucht, wenn sie sich nicht sehr gut verhält: d.h. 100% der Zeit. Jetzt muss die Bande in ganz Europa mit klebrigen Fingern kämpfen, aber sie hat einen rivalisierenden französischen Raubmeister, gespielt von Vincent Cassel.

Die schreckliche Wahrheit ist, dass, egal wie sehr wir alle wollten, dass dies gut ist, die Filme des Ozeans (und vielleicht gibt es noch mehr), mit einer Fortsetzung, den Hai übersprungen haben, wie man im Fernsehen sagt. Sie haben den Punkt der Glaubwürdigkeit und des Interesses überschritten, und zwar ganz einfach, indem sie nach Europa gegangen sind. Sie haben Multi-City-Euro-Touristen-Locations genutzt, um das Interesse an dem Film zu wecken, und es macht ihn nur kitschig, blähend und langweilig.

Der erste Teil findet in Amsterdam statt – obwohl dieser Familienfilm hochgesinnt auf Dope-Cafés oder Prostituierte in Fenstern verzichtet – und in klaustrophobischen und sehr langweiligen Amsterdamer Hotelzimmern passiert eine wirklich außergewöhnliche Menge an Nichtaktion. Dann gehen wir nach Rom, wo die Idee ist, ein fabelhaftes Fabergé-Ei zu stehlen, das von Infrarot-Lichtsensoren bewacht wird.

Es ist ein gut gedrehter, aber leerer Film, und es gibt eine nicht sehr lustige Idee, dass Ocean’s Frau Tess, gespielt von Julia Roberts, sich als…. Julia Roberts! Die Gags über Roberts’ Berühmtheit sind natürlich nur zu schmeicheln, und Bruce Willis steuert einen Cameo bei, der so zutiefst humorlos ist, wie nur er es schaffen konnte. Es gibt ein paar gute Witze: Elliott Gould unterbrach mitten in einer Tarot-Lesung und Topher Grace als verkorkster Schauspieler sein Hotelzimmer. Der Rest der Zeit ist nur ein Haufen Schauspieler, die sich amüsieren. Für den ersten Film waren wir, das Publikum, ebenfalls zur Party eingeladen. Diesmal nicht.

6/10