Wer würde nicht mal gerne im Sattel sitzen mit Schlapphut auf dem Kopf, einer Zigarette im Mund und die Luft der Freiheit genießen. Zu diesem Wunsch werden mir wohl viele Nostalgiker und Kevin Costner zustimmen, der wenigstens optisch diesen Traum in „Open Range“ verwirklichte. Seine bisherigen Erfolge als Regisseur lassen kaum seine Liebe zum Wilden Westen verbergen und auch diesmal verzaubert er wieder das Publikum mit wundervollen Landschaftsbildern und einer Brise Freiheitsgefühl. Schon nach der Hälfte des Films wäre ich am liebsten aus dem Kinosessel gesprungen, hätte mich auf ein Pferd geschwungen und wäre in die ferne Abendsonne geritten.

Doch leider blieb es am Ende nur bei einer Blechkiste und der Straßenbeleuchtung. Nach seinem letzten Flop „Postman“ scheint Kevin Costner wieder Anschluss zu seinen alten Erfolgen wie „Der mit dem Wolf tanzt“ gefunden zu haben. „Open Range“ bietet zwar keine neuen Geschichtselemente, die man nicht schon in anderen Westernfilmen gesehen hat, aber dennoch eine fantastische Umsetzung was Kameraführung und Bilder betrifft.

Hervorragendes Beispiel ist wenn einer der Charakteren mit Wolken als Hintergrund in Szene gesetzt ist. Wie schon erwähnt basiert die Story auf das altbekannte Gut gegen Böse-Prinzip und der Verlauf ist einem schon nach einer Stunde klar, aber es geht auch nicht darum den Zuschauer mit spannenden geistigen Ergüssen zu überraschen, sondern ihm einfach das damalige harte Leben aus der Sicht der Vieh-Treiber näher zu bringen, denn es gab nicht nur die coolen Cowboys, welche sich jeden Tag eine Schießerei lieferten. Idealerweise hat sich Costner als Partner Robert Duvall ins Boot geholt, dessen Rolle Boss Spearman ihm scheinbar auf den Leib geschrieben worden ist. Aber die Auswahl kam nicht von ungefähr. Robert hat schon entscheidende Erfahrungen in Sachen „alte Zeiten“ in dem historischen Film „Gods and Generals“ als General sammeln können.

Das Kevin Costner natürlich bei so einem Streifen nicht nur hinter der Kamera agieren kann, ist wohl jedem klar. In der Rolle Charley Waite spielt er wie gewohnt den coolen und schüchternen Kerl, wenn ihm eine Frau begegnet. Zu ihm gibt es, glaube ich, auch nichts mehr anzumerken, denn als Cowboy und jetziger Viehtreiber hat er es einfach drauf. Musikalisch wird „Open Range“ je nach Szene passend untermalt und sticht nicht unangenehm hervor.

Fazit:

„Open Range“ ist für Fans des ruhigeren Teils der „Coybow und Indianer“-Zeit gedacht. Man sollte dennoch keine neuen filmischen Sprünge erwarten. Regisseur Kevin Costner setzt auf altbewährtes, aber spickte dies mit fantastischen Eindrücken und einem Gefühl der Freiheit.

7/10

Man kann mit Fug und Recht sagen, dass sich die Leinwand noch nicht für Neil Gaimans eigenwillige Phantasie erwärmt hat. Die MirrorMask aus dem Jahr 2005 war visuell fesselnd, aber ihre Lewis Carroll-Treffen-Salvador Dalí Seltsamkeit (schwebende zwittrige Riesen?!) ließ sie für ein Mainstream-Publikum zu weit außer Reichweite abprallen. Während also auf Stardust, die zweite Leinwandadaption von Gaimans Werk (in Zusammenarbeit mit dem Künstler Charles Vess), in den nächsten Jahren eine weitere Kupplung folgen soll, muss man dem Produzenten und Regisseur Matthew Vaughn, der zum Regisseur geworden ist, zugute halten, dass er sich mit solch trickreichem Material auseinandergesetzt hat – und das in einem Genre, mit dem man ihn nicht ohne weiteres in Verbindung bringen würde.

Natürlich deutete seine X3-Ablenkung vor ein paar Jahren darauf hin, dass er für einen Wechsel bereit war, aber als Vaughn Stardust als seinen möglichen Nachfolger zum Regiedebüt “Layer Cake” ankündigte – das in demselben Krimi-Genre angesiedelt war, in dem Vaughn sich als Produzent einen Namen gemacht hatte – schien es so wahrscheinlich wie die plötzliche Ankündigung von Guy Ritchie, dass sein nächstes Projekt ein niedliches Roboter-Weltraumabenteuer sein würde.

Und, schafft Vaughn das auch? Nun, Stardust ist sicherlich kohärenter und unendlich publikumsfreundlicher als MirrorMask, und das Drehbuch von Vaughn und Jane Goldman hält die flüchtigeren Elemente von Gaimans Märchen (nicht zuletzt das Konzept eines Stars, der die pompöse, Timotei-artige Hippie-Prinzessin-Form von Claire Danes annimmt) mit einem scharfen, kantigen Sinn für Humor fest. Vaughn hat sich aufrichtig darüber geäußert, wie viel sein Film Rob Reiners wunderbarer “Die Braut des Prinzen” verdankt, und er freut sich sogar, die von Monty Python im Druck hinterlassenen Fangmarken hervorzuheben. Der Film nickt auch an Terry Gilliams Arbeit nach “Flying Circus” an, die einige auffällige Ähnlichkeiten insbesondere mit “The Brothers Grimm” aufweist. Es sollte keine Überraschung sein, dass Gilliam ein Stardust-Angebot erhielt und es ablehnte, gerade weil er das Gefühl hatte, alles schon einmal gemacht zu haben.

Dies ist jedoch keine faule Aufwärmphase. Das teuflisch unterhaltsamste Element ist die Nebenhandlung mit den sieben Prinzen von Stormhold, von denen der Überlieferung nach einer der sieben Prinzen zum nächsten König wird, indem er seine Brüder tötet, die verstorbenen Geschwister, die dazu verflucht sind, die restlichen Morde zu beobachten, bis der Erbe gefunden ist. Jeder Geisterprinz trägt die grausige Unterschrift seines Abgangs – eine Axt im Schädel, ein Gesicht, das durch die Wucht eines langen Sturzes zerquetscht wurde – aber Vaughn macht es auf intelligente Weise eher cartoon-komisch als entsetzlich, die Dinge PG zu halten: Wenn ein Königlicher durch den Ausrutscher einer Klinge sein Ende findet, sprudelt er nicht rot, sondern blau. Das macht wirklich Sinn.

Andere komische Elemente verschmelzen weniger ordentlich. De Niros Rolle als blitzschneller Himmelspirat ist zu breit geschmiert, sein Gefühl für das Lager riecht 30 Jahre nach seinem Ausverkauf. Ricky Gervais’ Cameo spielt derweil wie eine Ausrede, um in seinem üblichen Schtick zu brechen.

An anderer Stelle kämpft Vaughn damit, seine episodische Verfolgungshandlung gemütlich im Tempo zu halten, während Tristan (Charlie Cox, der seine liebenswerte Tollpatsch-Nummer von Casanova aufwertet) und Yvaine (Dänen) sich mit den überlebenden Prinzen – in erster Linie dem bösartigen Septimus (Mark Strong) – und der Hexenkönigin Lamia (Michelle Pfeiffer), die ihnen dicht auf den Fersen sind, zurück zur Mauer zanken.

Die Szenen passen nicht zu dem hübschen Puzzlespiel, das man sich erhofft, und hinterlassen schwache Handlungsträger, die die Dinge zusammenhalten – nicht nur Magie wie ein guter alter Deus ex Machina, sondern grundlegendere Fehler, wie zum Beispiel Charaktere, die an günstigen Orten auftauchen, von denen sie sicher nicht wussten, wie sie sie erreichen können.

Zumindest Pfeiffer und Strong sorgen dafür, dass die Geschichte einige großartige Bösewichte enthält, und Vaughn weiß sicherlich, wie man das Ganze großartig aussehen lassen kann (abgesehen von ein paar knarrenden CG-Aufnahmen). So wie er London eine Michael-Mann-Politur im Schichtkuchen verpasst hat, stupst er hier die natürliche Schönheit der Isle Of Skye auf ein Niveau an, das an die Größe von Peter Jacksons Neuseeland heranreicht. Für das britische Publikum ist es eine willkommene Erinnerung daran, dass dieses kleine Land über viele eigene fantastische Landschaften verfügt.

Material, das sich leicht in knisternden TV-Film-Saft hätte verwandeln können, wurde in “Mozart & der Wal” mit angemessener Intelligenz und Authentizität behandelt. Diese Low-Budget-Liebesgeschichte zwischen zwei emotional verkümmerten jungen Menschen mit Asperger-Syndrom hat nicht den Produktionsglanz oder die Star-Power von Drehbuchautor Ron Bass’ “Rain Man”, aber sie ist weniger anwidernd und konstruiert. In Ermangelung eines Verleihs steht das Bild vor einem schwierigen kommerziellen Kampf, der durch einen Promo-Push von Star Josh Hartnett unterstützt werden könnte, der stolz darauf sein sollte, die Aufmerksamkeit auf seine erste Leinwand-Performance zu lenken, die zeigt, dass er einige schauspielerische Leckerbissen hat.

Vor zwei Jahren in Spokane, Washington, gedreht, ist dies der erste amerikanische Spielfilm des norwegischen Theatertierarztes Petter Naess, dessen Festhit “Elling” 2001 für den Oscar nominiert wurde. Helmer hat ein offensichtliches Händchen für Schauspieler, denn er schult die dramatische Konzentration auf die Probleme der beiden völlig unterschiedlichen Hauptfiguren und orchestriert gleichzeitig ein überzeugendes Ensemble von unterschiedlich geplagten Menschen, die niemals in ziellose Affektiertheit verfallen dürfen.

“Eine fiktive Geschichte, die auf wahren Begebenheiten basiert”, wurde von Jerry Newport inspiriert, der sich angeblich nicht bewusst war, dass er eine Form von Autismus hatte, bis er “Rain Man” sah und anschließend im ganzen Land Selbsthilfegruppen organisierte. Hartnetts Figur Donald ist ein Taxifahrer mit einem phänomenalen Talent für Zahlen, der eine Selbsthilfegruppe zusammengestellt hat, in der die Mitglieder ohne Druck von außen sie selbst sein können.

Von Anfang an gibt es bei Naess’ Ansatz ein erfrischendes Fehlen eines besonderen Plädoyers oder einer Untersuchung unter dem Mikroskop; die Charaktere sind, was sie sind – mürrisch, unterdrückt, getäuscht und so weiter. Neben der Einsamkeit ist ihr gemeinsamer Charakterzug eine extreme geistige Besorgnis, die dazu beiträgt, dass sie Schwierigkeiten im Umgang mit der Außenwelt oder anderen Personen haben; sie sehen den Menschen oft nicht in die Augen (was besonders auf Donald zutrifft) oder antworten nicht auf Fragen, sind von Statistiken oder esoterischem Wissen verzehrt und so sehr in ihren eigenen Köpfen verankert, dass es unwahrscheinlich ist, dass sie als natürliche Einzelgänger sinnvolle Verbindungen zu anderen Menschen herstellen können.

Das stellt die zentrale Herausforderung dar, als die wunderschöne Feuerball-Isabelle (Radha Mitchell) auftaucht, um sich die Gruppe anzusehen. Direkt dort, wo Donald ausweichend und kinetisch ist, während er entspannt ist, scheint Isabelle ein Gehirn zu haben, das auf die dreifache Anzahl normaler Synapsen feuert; sie sagt, was ihr durch den Kopf geht, ist impulsiv kreativ und wirkt zunächst wie Ihr alltägliches, unberechenbares, halb-flockiges hyperneurotisches Wesen.

Unter diesen Umständen liegt es an Isabelle, den ersten Schritt zu tun, was sie auf einer Halloween-Party tut, auf der sie wie Wolfgang Amadeus bezaubernd herausgeputzt ist und Donald eher weniger schmeichelhaft als Wal verkleidet ist. Als er sie nervös in die unmöglich überfüllte Wohnung bringt, die er sich mit einer Reihe von nicht eingesperrten Vögeln teilt, verkündet Isabelle in ihrer typisch direkten Art: “Hier geht es um Sex”, eine für den armen Donald etwas zu direkte Annäherung.

Im Kern des Films, der gelegentlich mit Niedlichkeit flirtet, geht es darum, wie es den beiden gelingt und nicht gelingt, ihre Beziehung zu klären. Obwohl Donald ausflippt, als Isabelle seine Wohnung aufräumt, kann Isabelle dank ihrer überlegenen Fähigkeit, mit den Herausforderungen des realen Lebens umzugehen, ein Haus finden, das sie sich teilen können, und Donald einen guten Job in der Statistik an der örtlichen Universität an Land ziehen.

Doch schon die kleinste Kleinigkeit bringt Isabelle aus dem Gleichgewicht und lässt berechtigte Zweifel daran aufkommen, ob sie, mehr als Donald, jemals mit einer dauerhaften Beziehung zurechtkommen wird. Die Nachbereitung kommt plötzlich und fühlt sich etwas unverdient an, wenn man bedenkt, dass so vieles von dem, was vorausgegangen ist, so detailliert untersucht worden ist.

Mitchell zieht über ihre Rolle als Dynamo her, deren emotionale Unsicherheit unter einem märchenhaft attraktiven Äußeren begraben ist; durch das Durchsetzungsvermögen ihrer Figur dominiert sie die Leinwand. Aber Hartnetts Darstellung als unbeholfene und sich zurückziehende Seele wird mindestens ebenso genau beobachtet, da der Schauspieler die Wünsche, die für Donald so schmerzhaft sind, um sie zu erfüllen, sehr berührt.

Unterstützende Drehungen durch oft vertraute Thesps klingen wahr, wobei John Carroll Lynch als scheinbar kriegerischer Mann, der der Romanze auf die Sprünge hilft, die meiste Leinwandzeit bekommt.

Die Vidshot-Funktion sieht auf der großen Leinwand ziemlich gut aus, obwohl die Produktionswerte einfach sind. Einige der Musikrichtungen der Popmusik sind im Vergleich zu der ansonsten delikaten Handhabung des Materials zu frech für den Mainstream.

Ich glaube, es hat mehr mit der Stimmung zu tun als mit dem, was auf dem Bildschirm zu sehen ist. 3 Engel für Charlie: Volle Power ist mehr oder weniger derselbe Film wie das Original “Charlie’s Angels” (2000), und doch fühle ich mich dieses Mal etwas nachsichtiger. Wow, habe ich den ersten gehasst: “Ein Film ohne ein Gehirn in seinen drei hübschen kleinen Köpfen.” Ich verlieh ihm einen halben Stern.

Aber was war wirklich so verwerflich an dieser Hightech-Tussi-Eruption? Stellen Sie sich vor, eine Badeanzugausgabe kreuzt sich mit einer Explosion im Special-Effects-Labor, und Sie haben es geschafft.

Vielleicht war ich empört, weil die Leute ihr Geld dafür ausgeben wollten, anstatt in bessere Filme zu gehen, die zweifellos erbaulicher für sie waren. Aber wenn die Leute jedes Mal, wenn sie ins Kino gehen, erbaut werden wollten, wäre Hollywood aus dem Geschäft.

3 Engel für Charlie: Volle Power ist kein lustiger Film, trotz einiger guter Einzeiler, wie zum Beispiel, als Bernie Mac erklärt, dass die Schwarzen Iren den McRib erfunden haben. Es ist kein aufregender Film, weil es keine Möglichkeit gibt, sich wirklich um das Geschehen zu kümmern, und er macht sowieso nicht viel Sinn. Es ist kein sexy Film, auch wenn in ihm vier sexy Frauen mitspielen, denn man wird einfach nicht erregt beim Anblick von drei Babes, die in Zeitlupe mit einer Explosion im Hintergrund auf einen zurennen. Ich habe es versucht.

Was ist es also? Harmloser, hirnloser, gutmütiger Spaß. Beim Verlassen von “Full Throttle” wurde mir klar, dass ich den Film nicht hasste oder verachtete, und so beschloss ich während eines langen und nachdenklichen Spaziergangs am Chicago River (haben Sie diesen wunderbaren Springbrunnen am Nordufer östlich des Columbus Drive gesehen?

Sagen Sie, was Sie wollen, Drew Barrymore, Cameron Diaz, Lucy Liu und Demi Moore hatten offensichtlich Spaß, als sie diesen Film drehten. Sie erhalten unverschämte Charaktere zum Spielen, eine erstaunliche Garderobe (vor allem, wenn man bedenkt, dass sie ohne Koffer überall hingehen), bemerkenswerte Superkräfte und viele Nahaufnahmen, in denen sie einfach hinreißend sind, wenn sie lächeln.

Für sie ist es eine Form des Spiels, weiblicher James Bonds zu sein, so wie alle männlichen Schauspieler gerne im Western sind, weil man auf einem Pferd reiten und Saloons hochschießen kann. Es gibt eine Szene, in der die drei Engel darüber diskutieren, wie Dylan Sanders (Drew Barrymore) genannt wurde, bevor sie in das Zeugenschutzprogramm kam. Es stellt sich heraus, dass ihr Name Helen Zas war. Jetzt gibt es mit Norma Stitz einen Namen, der in den Büchern stehen wird. Natalie (Cameron Diaz) und Alex (Lucy Liu) machen sich gnadenlos über ihren Namen lustig, und wenn Liu sich böse Wortspiele ausdenkt, hat man fast den Eindruck, als würde sie sich diese selbst ausdenken.

Die Handlung … aber warum sollte ich die Handlung beschreiben? Es ist eine willkürliche und sinnlose Fiktion, die eine schwache Entschuldigung für eine Reihe von Szenen liefern soll, in denen die Engel in der Mongolei und anderswo, meist anderswo, beinahe getötet werden, während sie Sachen in die Luft sprengen, Menschen erschießen, beschossen werden, beinahe getötet werden und ihre Outfits, die für Jugendliche ab 13 Jahren zugelassen sind, vorführen.

Diesmal zwei neue Gesichter: Moore als Madison Lee, ein gefallener Engel, und Mac, der für Bill Murray in der Bosley-Rolle einspringt, als Bosleys Bruder, der, wie ich glaube, auch Bosley genannt wird. Die Angels stehen der Madison High auf dem Gipfel von Los Angeles im Griffith Observatory gegenüber, das aus mysteriösen Gründen während ihres Showdowns und ihrer Schießerei völlig verlassen ist.

Also. Ich gebe dem Film 3 Sterne.

Dahls überraschend wirksamer verrückter Trucker-Thriller, sein unterhaltsamstes Angebot seit The Last Seduction, ist ein Geflecht von Zitaten aus Klassikern wie Duel und The Hitcher.

Lewis (Walker) ist ein College-Neuling, dessen Pläne, mit seiner Beinahe-Freundin Venna (Sobieski) quer durch die USA zu fahren, scheitern, als er die Kaution für seinen störenden Bruder Fuller (Zahn) zahlen muss, der sich daraufhin selbst mitnimmt.

Auf Fullers Vorschlag hin kauft das Duo ein altes CB-Funkgerät und amüsiert sich auf dem Weg zu Venna, indem es einem Trucker, “Rusty Nail” (Kimbrough), einen Streich spielt und ihn mit einer falschen Frauenstimme einlädt, sie in einem Motel am Straßenrand zu treffen.

Im schönsten Moment des Films macht Mr. Nail dem ahnungslosen Bewohner ihres Rendezvous-Raums das Ausmaß seiner Wut darüber, übertölpelt worden zu sein, knirschend klar, während sich die Jungs nebenan kauern und die Kamera leer auf ein kitschiges Gemälde an der dünnen Trennwand fixiert.

Solch ein Hitchcock’scher Elan ist jedoch Mangelware. Vergessen Sie Roadkill – “Overkill” wäre ein passenderer Titel, denn Rusty rächt sich, und die Versatzstücke werden auf unwahrscheinliche Versatzstücke gestapelt.

Als wahrscheinlich größter Vertreter des Kinos seufzte Orson Welles, wenn er über seinen letzten Film befragt wurde. In seiner moralisch aufgeladenen Geschichte war er die Stimme von Unicron, dem Chaosbringer, dem massivsten und tödlichsten der Transformers, eine Rolle, die er ohne Ironie als “ein großes Spielzeug, das viele kleinere Spielzeuge angriff” beschrieb.

Unicron tritt in Michael Bay’s Live-Action-Darbietung der kultigen japanischen Spielzeuglinie nicht unter den frenetischen Robotern auf, sondern die Beschreibung dient. Es ist ein Film über große Spielzeuge, die viele kleine Spielzeuge angreifen, und einige ebenso große und einige viel größere (Transformatoren sind gleichwertig), und viele Menschen (wenn man ein Decepticon ist) und Gebäude (meistens im Stadtzentrum von LA), um nicht auf einen ziemlich entschlossenen Angriff auf unsere Sinne zu verzichten.

Es ist kein Film für diejenigen, die den Trost der Kunst suchen. Es ist jedoch die geradlinigste, kniffligste, CG-geschliffene Explosion an Spaß, die der Sommer bisher gebracht hat. Ein weiterer großer Vertreter des Kinos, Alfred Hitchcock, verzweifelte oft an der Vorliebe mancher Kinobesucher für die Handlungslogik. Er würde den Schrei dieser’Plausibles’ ignorieren und seine Bücher mit ausgelassener Spannung fiedeln. Auch Michael Bay ist kein Freund der Plausibles, aber sein Trick ist es, sie mit’Bayhem’ zu betäuben. Sogar in der Geek-Lehre der Sci-Fi bleibt er mehr darauf bedacht, LA zu verwüsten als eine furchtbare innere Logik.

Es sollte Sie nicht erschrecken zu hören, dass die Handlung lächerlich ist: eine Kiste (die in ihrer Größe vom Stadtblock bis zur Handtasche variiert – nichts im Film ist in der Lage, still zu sitzen) mit der Kraft, Maschinen in Transformatoren umzubauen (an einem witzigen Punkt sprießt ein Getränkeautomat mechanische Beine und eine Kanone, die Dosen auf Menschen feuert), ist auf der Erde gelandet. Wie derzeit haben diese gegnerischen Banden von Super-Robotern. Der erste Halt ist ein dummer Junge, dessen Urgroßvater eine Brille hat.
den Aufdruck eines Lageplans der Box…. Oh, vergiss es. Hör zu, gute Roboter bekämpfen schlechte und wir stehen im Weg. Das Ende.

Wenn man einen Film über empfindungsfähige Roboter aus dem Weltall hat (ursprünglich Cybertron, aber sie haben ihren Heimatplaneten in einem internen Techno-Squabble zerbrochen), die das Gewand eines kanariengelben Camaro oder eines Düsenjägers oder einer Boombox bewohnen können (Gremlin-ähnlicher Midget-Bot Frenzy ist eine witzige Anspielung auf ein falsch verstandenes Spielzeug, das in ein Kassettenband geschwungen ist), kann es schwierig sein, seinen Ton zu beurteilen. Transformers wollte den schwindelerregenden Naturalismus der französischen New Wave kaum annehmen, aber Bay schiebt seinen Film mutig von der strengen Hegemonie der Coolness in die Goofy, und es passt. Wie sein animierter Vorgänger ist der Film immer noch ein Cartoon, in dem eine Bande von 20-Fuß-Robotern über einen Gartenrasen wie Buster Keaton schwappen kann. Der Film ist bereit, seine eigene Dummheit einzugestehen. Für das erste Drittel, bis sich die Autobots wie das A-Team in metallischem Widerstand unter dem Gouverneursamt des steifen Kopfes Optimus Prime (geäußert mit dem Knurren eines Schulleiters von Peter Cullen) versammeln, spielt es eher wie eine Teenager-Komödie als wie ein frecher Actionspieler. Eine gute auch, denn die menschlichen Leitungen sind genauso charmant wie die bouldergroßen Kapuzenverzierungen.

Bay hat sich mit LaBeouf einen echten Gefallen getan, denn der reizbare Verlierer, der sein erstes Auto entdecken will, hat eine große Überraschung unter der Motorhaube. Er teilt das pop-neurotische Geschwätz eines jungen Woody Allen mit Tom Hanks’ beständigem Charisma, einem geradlinigen Kerl, der immer noch wie ein Filmstar glänzt. Ein kluger, natürlicher Komiker, der die Offenheit dieser Spielzeuggeschichte mit einem ironischen Getöse ausgleicht. Ganz abgesehen von seinem Auto, das Beine wachsen lässt, ist er zappelig genug über die Beine seiner Klassenkameradin Mikaela (Megan Fox). Betrunken von Bay’s laszivem Fotoapparat, kommt sie immer noch mit einem Stahlkern (es sind nicht nur die Autos, die versteckte Zentren haben): Mikaela ist ein Genie mit Motoren, nicht, dass die Jungs über ihre Windschutzscheibe hinauskommen. In der Tat, alle Mädchen des Films kommen zu einem Geek-Ideal geformt: atemberaubend und knabenhaft praktisch. In einer der überzogenen Nebenhandlungen bekommen wir die australische Schönheit Rachael Taylor als NSA-Computerdweeb, der den Code der Decepticons knackt.

Die Besetzung ist am besten jung: die älteren Schauspieler, vor allem Jon Voight und John Turturro als staatliche Handlanger, so langsam, wie manch ein Elternteil sein mag, hammelnd Herk und Ruck, als ob sie ihre eigene innere Erschütterung durchmachen würden. Der Film ist am wenigsten sicher, wenn er die globale Gefahr, die Prüfung der Gewässer der Inferenz mit einem Angriff auf eine amerikanische Militärbasis in . Die ersten Verdächtigen sind die Iraner, und auf dem Weg dorthin gibt es ein paar spritzige Ausgrabungen bei der Bush-Administration, aber jede Politisierung ist schnell auf ein Töpfchen Super-Secret Service bekannt als Sector Seven, die Megatron in einem tiefen Frost im Inneren des Hoover Dam, und der Film kommt mit seiner jugendlichen Doktrin der daft Punk.

6/10

Cold Creek Manor ist ein weiterer dieser Filme, in denen ein wahnsinniger Unhold eine außergewöhnliche Menge an Energie darauf verwendet, Szenen für die Kamera einzurichten. Denken Sie an die Mühe, die es für einen Mann, der allein arbeitet, wäre, ein Pferd zu töten und es in ein Schwimmbad zu werfen. Der Film ist eine Sammlung von Klischees, die sowohl den sprechenden Mörder, der spricht, wenn er bei der Arbeit sein sollte, als auch den zuverlässigen Höhepunkt nicht vernachlässigt, wo sowohl der Bösewicht als auch seine Opfer viel Unannehmlichkeiten haben, um auf einen hohen Platz zu klettern, damit einer von ihnen herunterfallen kann.

Die Filmstars Dennis Quaid und Sharon Stone als Cooper und Leah Tilson, die die Stadt satt haben und aufs Land ziehen und ein Grundstück kaufen, das aussieht wie das Haus der Sieben Giebel, das mit dem Amityville Horror gekreuzt ist. Dieses Haus wird eine Menge Arbeit brauchen. In “Under the Tuscan Sun”, einem weiteren neuen Film, kann Diane Lane einige fröhliche polnische Arbeiter finden, um ihre toskanische Villa zu renovieren, aber die Tilsons haben das außerordentlich schlechte Urteilsvermögen, den ehemaligen Besitzer des Hauses, Dale Massie (Stephen Dorff), einen Ex-Häftling mit einer vermissten Familie, einzustellen. “Wissen Sie, worauf Sie sich da einlassen?”, fragt ein hilfsbereiter Einheimischer. Nein, aber jeder im Publikum tut es.

Der Film gibt natürlich zwei kleine Kinder an die Tilsons aus, so dass ihre kleinen Schreie auf Stichwort ertönen können, wie wenn das geliebte Pferd im Pool gefunden wird. Und sowohl Cooper als auch Leah sind mit dem Vorschlag des Ehebruchs gefärbt, weil in amerikanischen Filmen, wie wir alle wissen, sexuelles Fehlverhalten zu schlechten Immobilienentscheidungen führt.

In allen Filmen mit Stadtbewohnern, die aufs Land ziehen, gibt es eine ungeschriebene Regel, dass jeder im Diner alles über die Geschichte des neuen Anwesens und die Geheimnisse seiner früheren Besitzer weiß. Die Einheimischen agieren als eine Art griechischer Chor, leben ständig im Restaurant und bereiten sich darauf vor, unheilvolle Warnungen oder grundlose Beleidigungen auszusprechen. Die Schlüsselfigur ist diesmal Ruby (Juliette Lewis), Dales geschlagene Freundin, deren Schwester Sheriff Annie Ferguson (Dana Eskelson) ist. Sie raucht viel, immer ein ominöses Zeichen, und ist mehrdeutig über Dale — sie liebt die Lasche, aber gee, muss er immer auf ihr klopfen? Die Szene, in der sie behauptet, nicht getroffen worden zu sein, sondern nur gefallen zu sein, ist die oberflächlichste Demonstration der misshandelten Frau in Verleugnung.

Niemand in diesem Film hat einen Hauch von gesundem Menschenverstand. Die Tilsons lassen immer Türen offen, obwohl sie wissen, dass draußen schreckliche Gefahren lauern, und sie sind quälend langsam zu erkennen, dass Dale Massie nicht nur die falsche Person ist, um ihr Haus zu rehabilitieren, sondern auch die falsche Person, um im selben Zustand zu sein.

Verschiedene Hinweise, begleitet von unheilvoller Musik, ominösen Winden, Wolken, usw., führen dazu, dass Hinweise auf Dales Verbrechen auf dem Grund eines alten Brunnens gefunden werden können, und wir sind nicht enttäuscht in unserer Erwartung, dass sich Stone früher oder später auf dem Grund dieses Brunnens wiederfinden wird. Aber antworte mir. Wenn du ein bösartiger Verrückter wärst und die Tilsons loswerden wolltest und Leah gerade in den Brunnen gestoßen hättest, und Cooper war ganz allein im Wald, lehnte sich über den Brunnen und versuchte, seine Frau zurück an die Oberfläche zu ziehen, würdest du dann einfach weitermachen und ihn hineinstoßen? Oder was? Aber nein. Das Publikum muss sich einer ausgedehnten Szene unterziehen, in der Cooper nicht in den Brunnen geschoben wird, damit alle zurück zum Haus eilen, auf das Dach klettern, herunterfallen, etc. Dale Massie ist kein Bösewicht in diesem Film, sondern ein Enabler, ein Charakter, der nicht töten will, sondern nur existiert, um die Handlung zu beschleunigen. Alles, was er tut, ist nach einem Blick auf das Drehbuch, so dass er auftaucht, verschwindet, droht, nett wirkt, auftaucht, verblasst, schiebt, nicht schiebt, alles, damit wir im Publikum erschrocken oder, in meinem Fall, amüsiert sein können.

Cold Creek Manor wurde von Mike Figgis, einem großartigen Regisseur von Drama (“Leaving Las Vegas”), digitalen Experimenten (“Timecode”), Adaptionen der Klassiker (“Miss Julie”) und atmosphärischem Film noir (“Stormy Monday”) geleitet. Aber er hat einen Thriller gemacht, der uns nur dann begeistert, wenn wir den gesunden Menschenverstand aufgeben. Natürlich passieren in allen Thrillern absurde Dinge, aber es muss zumindest eine Geste in Richtung Plausibilität geben, sonst verlieren wir die Geduld. Wenn der böse Dale Massie einfach im Wald steht und Cooper Tilson nicht in den Brunnen drückt, hört er auf, ein Killer zu sein und wird zum Vorwand für den Film, um mit uns zu spielen – und es ist immer besser, wenn ein Thriller mit den Opfern statt mit dem Publikum spielt.

4/10

George Clooney, grau wie ein schlanker alter Dachs, kommt als Superdieb Danny Ocean in dieser entsetzlich selbstgefälligen und enttäuschenden Fortsetzung von Steven Soderbergh’s 2001 smash-hit caper Ocean’s Eleven wieder in Sicht. Das war eine inspirierende Verbesserung gegenüber dem 1960er Frank Sinatra Vanity Vehicle. Aber eigentlich ist es dieser Nachfolger mit seiner faulen, zusammengewürfelten Handlung und dem unerträglich selbstgefälligen Hollywood-Joker, der dem verfaulten Rat Pack-Original wirklich treu bleibt. Alle sehen müde aus und Brad Pitt ähnelt zunehmend Minnie Driver’s lang verlorener Butch-Schwester.

Wir beginnen drei Jahre nach dem legendären Vegas-Score, in dem Terry Benedict (Andy Garcia) Milliarden von Dollar aus seinen Hotels gestohlen wurde. Fast alle von der Bande haben ihre Anteile an der Beute weggepisst, was genauso gut ist, wie Benedict alle aufgespürt hat und sie zur Wiedervereinigung für einen anderen Job zwingt, um es ihm zurückzuzahlen. Widersetzen sich unsere Helden ihm? Oder tun sie so, als würden sie sich ihm nicht widersetzen, während sie sich heimlich darauf vorbereiten, ihn zu überfallen?

Nein! Eher pathetisch, alles, was sie tun, ist nur gehorsam für mehr gehorsame Diebstahl auf Geheiß ihres Feindes, und ihre Zahl wird durch einige neue Liebe-Interesse erhöht: Rusty (Brad Pitt) ist in Italien mit Isabel Lahiri, einer wunderschönen Strafverfolgungsbeamtin bei “Europol”. Ihr Vater ist zufällig ein Meisterdieb, und es ist sein nicht dramatisierter Sachverstand, der eine abgrundtiefe Handlungsauflösung liefert. Isabel wird von Catherine Zeta-Jones gespielt, die in ihrer “Europol”-Uniform herumhackt und mit ihrem walisischen Akzent wieder auftaucht, wenn sie sich nicht sehr gut verhält: d.h. 100% der Zeit. Jetzt muss die Bande in ganz Europa mit klebrigen Fingern kämpfen, aber sie hat einen rivalisierenden französischen Raubmeister, gespielt von Vincent Cassel.

Die schreckliche Wahrheit ist, dass, egal wie sehr wir alle wollten, dass dies gut ist, die Filme des Ozeans (und vielleicht gibt es noch mehr), mit einer Fortsetzung, den Hai übersprungen haben, wie man im Fernsehen sagt. Sie haben den Punkt der Glaubwürdigkeit und des Interesses überschritten, und zwar ganz einfach, indem sie nach Europa gegangen sind. Sie haben Multi-City-Euro-Touristen-Locations genutzt, um das Interesse an dem Film zu wecken, und es macht ihn nur kitschig, blähend und langweilig.

Der erste Teil findet in Amsterdam statt – obwohl dieser Familienfilm hochgesinnt auf Dope-Cafés oder Prostituierte in Fenstern verzichtet – und in klaustrophobischen und sehr langweiligen Amsterdamer Hotelzimmern passiert eine wirklich außergewöhnliche Menge an Nichtaktion. Dann gehen wir nach Rom, wo die Idee ist, ein fabelhaftes Fabergé-Ei zu stehlen, das von Infrarot-Lichtsensoren bewacht wird.

Es ist ein gut gedrehter, aber leerer Film, und es gibt eine nicht sehr lustige Idee, dass Ocean’s Frau Tess, gespielt von Julia Roberts, sich als…. Julia Roberts! Die Gags über Roberts’ Berühmtheit sind natürlich nur zu schmeicheln, und Bruce Willis steuert einen Cameo bei, der so zutiefst humorlos ist, wie nur er es schaffen konnte. Es gibt ein paar gute Witze: Elliott Gould unterbrach mitten in einer Tarot-Lesung und Topher Grace als verkorkster Schauspieler sein Hotelzimmer. Der Rest der Zeit ist nur ein Haufen Schauspieler, die sich amüsieren. Für den ersten Film waren wir, das Publikum, ebenfalls zur Party eingeladen. Diesmal nicht.

6/10